miércoles, 21 de octubre de 2020

Alchemical Trumpsfusion form Mickael to Donald with Love -first political venture-


Trumpsfusion oil on canvas 70 x 100 cmm 2020

Ok, so this is a commission, right? Up to now I’ve never gotten into painting anything that carries opinions attached that can remotely be considered political, I believe it’s fair to say I usually eschew anything too attached to current issues, even. So if I treat my themes in a comfortable first renaissance, baroque and maybe up to romantic period manner, meaning they could mostly have been tackled in a similar manner back then, what am I doing rounding up degraded pop star icon Mickael and up-and-coming entertainer Donald in one of my gigs? Truth be told, it’s all about money. 

Yeah, I’ve been by and large lucky in being mostly able to make a living and a small name for myself by painting what I desire to paint, which is nothing to take for granted, even nowadays when artists are supposed to be unbounded in their freedom.. in my own petite view to inconclusive results. Right, that’s a vast theme for another post. About this painting, then, it’s a commission unlike any I’ve had so far, an eclectic set you won’t be finding in my blog comprised of portraits, Russian icons (really, with gold leaf and all the toppings!), a sepia rendering of a weightlifter from the beginning of the 1900, devotional saint images, several motives derived from my own personal work, already derived from so many sources, and some other I’d rather forget. 
But this is a first. Maybe I ought to state my general thoughts on political and propagandistic art, including that made with the intention of denouncing or arguing about someone or something. The only sort of instances where I think that makes sense is in satire, there being odd cases of political or social comment that make it worth knowing the circumstances of production. Mostly though art is great in spite of the monarchic/socialist/national/gendered or whatsoever twist and drive of the piece. That’s my opinion, almost identical to the importance of the theme, relationship of the artist to subjects and so on. More on that if it’s demanded in the comments. 
Now about this painting, again. I got the commission, nudged the details a bit, (at first Michael was in his all white avatara) and of course chose the fantastic title. My biggest twist was in setting the whole nightmarish transmutation in a sort of alchemical bathtub, it gives the piece that unholy-ritual-gone-wrong feel, where Donald seems to be getting a different outcome than expected, the famous gesture of surprise explaining the story behind his having gotten duped. 
Maybe it’s fair to add I’m an Argentinian painter living in Spain, and as such maybe not the best fitted to be shoving no message to nobody’s face, I’d like to state there was no such intention on my part, sometimes (hell, always) images when done get a life of their own and start speaking to different audiences as they see fit. That said, I mostly was drawn to the two media monsters colliding with the force and theatric ridicule of all their respective perceived associations and shared obsessions in dealing with the issues of race in our good ol’ United States. 
The image at the back of my mind was that delicate and stony Fontainebleau painting of the two ladies in a tub with the nipple pinching detail. That tension and electricity survives I think in my touching of the fingers, I hope!

Tarot Maiden forcefully conjoined with beast

La Fuerza oil on canvas 200 x 70 cm 2020

 The idea behind ‘La Fuerza’ - the Force- has been with me for a long time, every now and then for some years I’ve sketched a version of essentially the same figure. It’s a big Tarot card, of course. I’ve always been bothered by the awkwardness of most solutions to the delicate lady overpowering the fierce lion, the problem and uncertainty of conveying her strength in an ambivalent contradiction of expectations coupled with an achievable practicality. So my own synthesis was just that, the old-as-humanity and unabashedly modern and fantastical synthesis again of animal and.. woman!

That would be my claim at originality in this new merging of figures save that there’s an old Egyptian goddess (not Bas) who also has a MALE lion head and the fact that I value originality very poorly in what regards art, as I’m sure any adverse critics of mine, if existent, would gleefully point out. 
So the image was just simpler arranged like that, or it appeared so in my mind’s eye, so to say, and that is the handiest excuse actually, if one is needed to justify a painting of whatever I feel like painting. Seems I just want to write nonsense and keep on at it, right. 
So the figure is a woman, I wanted her stocky, a bit anyhow, more that my usual, and completely integrated to the face of the lion, hope I accomplished that. The body had to follow the gaze, the mental motion, it really didn’t have to look like a mask, to be able to raise ideas about what is really happening with this joining of primal virility and female fortitude, which I conceive as clearly defined and evident here. So it may be a case of producing a monstrum, of admonishing or toying with the effect of incongruent juxtaposition.. may as well be, an artist looses control of where the image is taking him, in the best of cases. Here for example the background was supposed to be that of a barren desert, just some shrubs and bushes here and there, maybe a savannah. Talk about original, right? The tower appeared from a memory of unforgettable Modena, now that I think of it, there was a famous late medieval monster from that same place, if I don’t misremember, also a composite figure of sorts. Have to look it up 

miércoles, 1 de febrero de 2017



Par  the-HEY-team / 06/12/2016

GABRIEL GRUN (Argentine)
"Si nous apprenions à appécier les usages et les textures du passé, issus d'un mode de vie plus rural, peut-être aurions-nous l'impression qu'un homme faisant le tour du quartier avec sa vache pour vendre son lait est une façon satisfaisante pour nous d'en obtenir."

GABRIEL GRUN (Argentina)
"If we learn to appreciate the uses and textures of the past, of a more rural way of life, we may feel that having a man doing the rounds with a cow around the neighborhood can be a much more rewarding manner to get our daily milk, and so on."


lunes, 23 de enero de 2017

Black Hole Allegory, recuperando el lenguaje de la alegoría para las estrellas supermasivas

 Black Hole Allegory - 200 x 130 cm. óleo sobre tela

Black Hole Allegory nace de mi voluntad de atacar un tema de modernidad científica con las armas conceptuales del lenguaje alegórico del pasado. Una vez más quiero destacar como los resultados de tal juego caprichoso pueden seguir siendo pertinentes, al encarar un concepto quizás no inédito para los clásicos, siendo asimilable tal vez al clima mental que subyace al Armageddon o a los varios Apocalipsis, pero si diferenciado en su obvio anacronismo. Me vienen a la mente las pinturas de fenómenos celestes como eclipses o más aún aquella Immacolata Concezione de la Cappella Paolina en Santa Maria Maggiore donde bajo los pies de María se figura la luna galileana, de reciente observación, en lugar de su versión simplificada. 
Este vínculo con la ciencia y su capacidad estimulante es quizás el puente entre esta aproximación al agujero negro y la pintura del pasado. No seguí a rajatabla los indicios de la astrología, entre otras cosas porque se actualizan constantemente (un papelito de S. Hawking que leí la semana pasada dice directamente que no existirían) sino más bien quise representar la idea, la sensación, en clave alegórica, de un hueco astral que se come todo. Así que hice lo que los alquimistas, lo puse sobre la cabeza de una señora, a ver cómo queda, el resto del paisaje responde más o menos sutilmente a esta atracción, lo mismo que el marco, sobre este quiero llamar especialmente la atención ya que en cierto sentido es de lo que me siento más orgulloso. Lo realicé combinando dos bastidores diferentes de manera, la verdad, exquisita, y después tensé una tela gruesa lo que fue bastante difícil, usando un truco que aprendí en mis tiempos de restaurador humedecí co cautela el reverso y al secar dio la tensión adecuada, el resultado recuerda un poco una puerta del Magreb. 
La paradoja temporal queda señalada además de por el lenguaje visual adoptado por la inclusión de 'attrezzo' de sabor antiguo como vasijas grietas de figuras negras o bajorrelieves que junto a jarras de motivo geométrico apuntan siempre al sentido del agujero que engulle, como si civilizaciones del pasado hubieran conocido y tratado la idea de estrellas supermasivas y del horizonte de sucesos a su manera, convirtiéndolos en dioses, como es apropiado. Los atributos que elegí para definir esta alegoría son los de una joven mujer cuya cabeza viene desfigurada del mismo modo en que lo hace algo detrás de un agujero negro merced a la comba de sus rayos de luz, que sostiene una copa en forma de embudo que se sugiere infinito, estirando su caña y sin definirle pie, a imagen de la consabida representación o analogía en dos dimensiones de la forma en que el espacio-tiempo viene doblado por la masa de un agujero negro y toda partícula que se acerque lo suficiente queda irremediablemente arrastrada, esta copa es infructuosamente llenada, como era de esperar, por la joven y por lo tanto se representa una plétora de vasijas a su alrededor, testamentos de sus inútiles esfuerzos.  
-tipica figura allegorica, esta vez de la Fortuna, por un anónimo del XVI en los Uffizi-
-boceto para la deformación de la cabeza-
Hay además cerca de la firma un último chiste sobre los hipotéticos agujeros de gusano.. a ver si lo descubren. Sobre el título, elegí el inglés porque da el toque de ambigüedad que buscaba, el español te fuerza a definir con el artículo, o sea "alegoría DEL agujero negro" o "alegoría de UN agujero negro", el sentido que yo quería era más el de "alegoría DE agujero negro", como "alrededor del concepto de.. sobre..", en francés también creo que hubiera funcionado como "allégorie du trou noir"


viernes, 12 de agosto de 2016

Proposición Curvilínea para la Rectificación de la Demostración Instrumental de la Perspectiva Rectilínea según Albrecht Dürer

Los Huesos de Liebre del título de esta obra están escondidos en un cajón, son un guiño entre muchos al gran maestro alemán por esa deliciosa acuarela (¡Si no la conoces no deberías estar leyendo este blog!) de una regordeta liebre marrón. El punto de partida fue ese grabadito dentro de los ejemplos de ayudas para entender y dibujar la perspectiva de su tratado de pintura, uno que nunca me he podido sacar de la cabeza. En él quise aunar mis investigaciones caseras y del todo inadecuadas alrededor de la lógica de la perspectiva curvilínea, encarada de manera instrumentalmente ingenua y limitada, pero terca, así vinculándome con la tradición de artistas que crean un sistema propio, y se atienen a él, por primitivo que resulte, pensando en paliar los defectos con la magia de los pigmentos molidos en aceite y la luz. Los resultados de años de cuadrículas y manchones están resumidos en la pequeña cartela del centro óptico del cuadro, y la red, que fabriqué, usé y luego negué en su uso, adaptando los resultados que se ven en los dibujos al curvar las líneas, toma una importancia mayor en cuanto tamaño pero está más para significar toda la idea y tensión entre la idea mental de las rectas líneas de perspectiva y la realidad óptica del ojo. Es un cuadro lleno de idas y vueltas, correcciones y traiciones a los métodos de dibujo sobre los que los artistas asentamos la mano y una meditación nerviosa acerca de ese esqueleto de marcas de lápiz guiado por reglas y compases sobre el que superponemos los colores como una máscara que legitimiza todo lo anterior y lo fuerza ante los ojos del espectador, convenciéndolo. En un detalle un Playmobil de mi hija Olivia, para respirar un poco de tanta seriedad y remarcar lo lúdico que es y fue siempre jugar con la perspectiva.
el grabado original de Durero sobre los métodos de perspectiva en su Underweysung der Messung 

 Un compendio completo de mis esfuerzos perspectivos, que apunta a los resultados matemáticos prácticos que se pueden obtener, sin llegar a explicitarlos, claro para quien tenga la visión clara. El texto dice: Huesos de Liebre o Proposición Curvilínea para la Rectificación de la Demostración Instrumental de la Perspectiva Rectilínea según A. Dürer.
Dibujos, esta vez según la perspectiva lineal, de lo que vemos en el cuadro y lo que ve el pintor pintado.

jueves, 14 de abril de 2016

Ladrón que roba a ladrón..

Esta obra de modesto tamaño es una suerte de guiño a la estética de Odd Nerdrum, cuya estética tuve en el ojo de la mente al idearla. Dicho esto, es un buen ejemplo de cómo diverge a veces la obra acabada de la idea, en mi intención la pintura era mucho más ocre en croma, y de factura más suelta, con las pinceladas más marcadas y constructoras de forma.. pero así es la cosa, la pintura muchas veces depende de lo que el pintor puede de verdad, lo que es, por más influencias o imitaciones que pretenda seguir. El resultado de todos modos me deja contento.
Quise darle un cierto aire aviar, con un recuerdo de aquellos ladrones de huevos que saqueaban los del Gran Alca para venderlos por su rareza, o los mismos pájaros que roban huevos para alimentarse. El aire general debía hacer a la figura habitar ese mundo de arquetipos, claro, con la intención de fijar uno nuevo, y asentar sus acciones como ejemplares.

Un manco habilidoso

Mi nueva pintura, 'Homme sans bras', toma inspiración de un grabado aparecido en el libro de monstruos y prodigios de Ambroise Parè, innovador cirujano francés cuya mente habitó el difuso mundo intermedio entre Medioevo y Renacimiento. La imagen me impactó en todo su potencial de ser reinterpretada en un óleo de gran formato, con esas alusiones a la iconografía del Tarot, (yo lo asocié con el Mago), la presentación de una historia completa que se va deshilvanando a distintos niveles por el fondo. Naturalmente el tema daba para sobrecargarla un poco de detalles.. pero para eso no necesito buscar excusas, usé muchos elementos ya presentes en el pequeño grabado, y jugué con el sentido de varios de ellos. La imagen me apeteció por el atractivo de una figura que, aunque limitada, logra llevar a cabo hazañas gracias a su ingenio, articular sus pocas posibilidades en resultados sorprendentes. Se trata de un caso histórico, referido al médico, que resulta en realidad uno de los menos fantásticos dentro de sus habituales intereses.

 Agrego un pequeño boceto de mi intento de barba medieval, sirvió para entender la geometría de la misma y es una buena justificación para mostrar algo de la pintura abocetada que a veces precede a las obras más trabajadas.

domingo, 24 de enero de 2016

Accésit adquisición para 'El traje de ramas' en el Premio Focus-Abengoa 2015, Sevilla.

'El traje de ramas' gana uno de dos accésit adquisición en el  Premio Internacional de Pintura Focus-Abengoa 2015, en Sevilla.

Gabriel Grün junto a los artistas premiados y miembros del jurado.

La Fundación Focus-Abengoa ha fallado el Premio Internacional de Pintura Focus-Abengoa 2015, un galardón que en esta 32 edición ha merecido la obra 'Las veces difíciles', de Lola Berenguer Suarez (Almería, 1965). Además, el jurado ha distinguido con un accésit la obra de Gabriel Grün Yantorno (Buenos Aires, 1978) 'El traje de ramas', y a Jesús Zurita Ruíz (Granada, 1974) por 'El contenido de los murmullos'.

El Pl Premio Internacional de Pintura Focus-Abengoa, de tema y técnica libre, está dotado con 36.000 euros, repartidos en un primer premio de 24.000 euros, que recibirá Lola Berenguer, y dos accésit de 6.000 euros cada uno, que recogerán Gabriel Grün y Jesús Zurita en una ceremonia que tendrá lugar en la primavera del próximo año. Las obras de los tres galardonados pasarán a formar parte de los fondos de la Colección Focus-Abengoa de pintura, escultura y obra gráfica.
De las 32 obras seleccionadas, el jurado ha decido por unanimidad conceder el primer premio a la obra de Berenguer “por una radiante e impecable estructura que explora y vivifica una tradición moderna que viene del purismo y otros referentes de la abstracción constructiva, logrando una actualización fecunda de sus presupuestos, con una composición rotunda que germina adjetivada por sutiles gestos visuales que basculan entre lo lineal y lo pictórico”.
Gabriel Grün Yantorno. El traje de ramas.
Gabriel Grün Yantorno. El traje de ramas.
Por otro lado, de Grün han destacado que “tomando en sus manos los hilos de una tradición pictórica que se remonta a la maestría de Patinir, Brueghel, Durero, Arcimboldo e incluso el naturalismo del XVII, el artista configura una obra paradójica y sorprendente, en la que presuntos símbolos y flagrantes equívocos ofrecen un espectáculo pictórico inagotable que suscita irónicas referencias”.
Mientras que de Zurita, el jurado ha destacado “su acertada conjunción de volúmenes en una rotunda composición que transluce una gran libertad creativa y teatralidad, que alude tanto a elementos orgánicos naturales, como sexuales y simbólicos. Dentro de una estética de gran cromatismo y contraste de texturas, que participa de lo imaginario”. Por otro lado, el Jurado ha querido hacer una mención especial a las obras de Javier Arbizu Martínez (s/t); Pepe Carretero, El final del almuerzo; Filippo La Vaccara (s/t); y Simón Zabell, Of canyons and Stars.
Todas las obras finalistas y premiadas se expondrán en una muestra que se inaugura el 21 de diciembre en el Hospital de los Venerables en Sevilla, sede de la Fundación, y podrá visitarse hasta el próximo 20 de marzo de 2016.

miércoles, 23 de septiembre de 2015

HEY! modern art & pop culture / Act III Opens!

I `m participating with four works in HEY! modern art & pop culture / Act III a great show in the Museum La Halle Saint Pierre, in Paris, it will last six months and is amazing. Here are the details and some pictures:

Halle Saint Pierre
2, rue Ronsard – 75018 Paris
Métro : Anvers/Abbesses
Ouvert tous les jours : en semaine de 11h à 18h
samedi de 11h à 19h / dimanche de 12h à 18hOpen Monday-Friday : 11:00 am/18:00 pm
Saturday 11:00 am/19:00 pm – Sunday 12:00 am/18 pm


Au sein d’une belle architecture de style Baltard, tournée vers les jardins de la Butte Montmartre, la Halle Saint Pierre abrite un musée et une galerie, une librairie, un auditorium, un café. C’est dans ce cadre harmonieux et lumineux que sont présentées les grandes expositions temporaires et les multiples activités artistiques et culturelles dédiées aux formes les plus inattendues de la création.

La Halle Saint Pierre presents
HEY! modern art & pop culture / Act III
18/09/15 — 13/03/16
HEY! modern art & pop culture / ACT III
62 international artists
HEY! modern art & pop culture, an art magazine founded in 2010 by Anne & Julien, is back at La Halle Saint Pierre after the resounding success of its two previous editions in 2011 and 2013. This third edition, HEY! modern art & pop culture / Act III, will go further in its exploration and diffusion of various countercultural artistic media: Lowbrow Art, outsider art, comics and more generally any artistic vector of street culture.
Awash with first ever (Gabriel GrunThomas WoodruffEd Hardy) as well as exceptional guests (Marion Peck), the exhibition will also unveil previously unseen works by Joël Negri, Albert Sallé and Alain Bourbonnais from la Fabuloserie, an emblematic, offbeat art venue in France. For the first time in Europe works by Mark Ryden, tutelary figure of Pop Surrealism, will be on show at La Halle Saint Pierre.
This scene that Anne & Julien have been supporting for a number of years is vibrant, diverse and complex : its numerous trends and territories, ranging from its most radical manifestations such as Art Brut to the more sophisticated forms of Pop Surrealism, ensure its incontrovertible place in contemporary art history.
For Anne & Julien all the worth and modernity of this scene stem from these very characteristics. The two art activists are committed to defending it through their review, performances and exhibitions.They have been instrumental in putting a spotlight on idiosyncratic visual worlds whose common denominator is their sheer resistance through imagination: resistance to norms, to categorisations, institutionalization and fashion diktats. They are both the promoters and historians of a marginal, underground, alternative art scene.
For La Halle Saint Pierre, to be involved in such an adventure makes perfect sense : art history has always experienced upheavals and paradigm shifts. Echoing the current geopolitical, cultural watershed the world is facing, the art world is also going through a period of crisis and dramatic change. The HEY! modern art & pop culture trilogy is the perfect illustration of this.

 340 pages.
Format 22 x 28 cm. Livre relié, cousu, couverture toilée, impression sérigraphie, tranche fil.
Editions Ankama /619
Vendu à la librairie de la Halle Saint Pierre
avec le sac en toile Hey! : prix 39,90 €.
The works present in the exhibition: